Arte Gótico

                             

El arte gótico surge en Europa durante la Edad Media por los godos. Se extendió cronológicamente desde finales del siglo XII hasta el principio del Renacimiento.

Todo el arte de este periodo estaba relacionado con la religión. Las iglesias y las catedrales eran las muestras más importantes.

Arquitectura Gótico

Se utilizan tres son los elementos principales que otorgan a la arquitectura gótica su peculiar personalidad: 

©       El arco apuntado u ojival

Arco Ojival

©       La bóveda de crucería

Bóveda de Crucería

©       Los arbotantes

Arbotante

A parte de dar soporte a  las bóvedas, los arbotantes también servían para canalizar el agua de las lluvias, las bocas de desagüe se decoraban con figuras de seres monstruosos, llamadas gárgolas.

Y en este periodo surgen las plantas de "Cruz Latina", las cuales se siguen utilizando.

                                                        

Escultura Gótica

La escultura en el periodo gótico se utiliza principalmente en las fachadas de las iglesias, en donde tienen una función evangelizadora, ya que es una forma de catequizar a las personas analfabetas. Tiene raíces de la escultura románica, de quienes heredan la rigidez, pero finalmente evoluciona en esculturas más naturalistas, aún que también conservan influencias de las esculturas griegas y romanas, pero se les agrega más detalle en las telas, tienen mejor encarnación, expresiones faciales y poses.

La escultura gótica es más naturalista que la románica, más humana. Sus características principales son: la introducción de el movimiento y la línea curva, la posición de la Virgen, quien normalmente se encontraba siempre de frente y ahora la representan inclinándose al niño, las formas plenas que sobresalen del soporte en el cual se apoyan, y su monumentalidad serena y aérea. Normalmente en las esculturas se representaban las vidas de los santos y de la Virgen, a los apóstoles y a los calvarios.

Vitrales

                                  

Los vitrales complementan a la arquitectura y añade a sus caracteres ópticos funcionales un papel didáctico a través de su iconografía.

Sus materiales traslucidos, que además de captar y transmitir modulaciones coloreadas de luz al interior de los edificios, dan una significación simbólica, ya que la luz que traspasaba los vitrales representaba la presencia de Dios. Estos vitrales tienen triple carácter: funcional, óptico y espiritual.

La vidriera está formada por una serie de vidrios de colores, que están organizadas para representar determinadas escenas las cuales se engarzan sobre una pared de plomo.Los vitrales están considerados como la verdadera pintura gótica, ya que básicamente sustituyen a la pintura mural. Más adelante en el gótico, se suprimen progresivamente el muro de fábrica o muro de carga y lo sustituyen por el «muro translúcido», que son los amplios ventanales con vitrales de color que proporcionan al interior de las iglesias y catedrales una atmósfera cálida y coloreada.

Las escenas que se plasman en los vitrales, que normalmente eran escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, se desarrollaron en series de medallones y en sentido vertical. Poco a poco se amarran en registros horizontales. Los temas preferidos son los del juicio final, Cristo, y la Virgen.

También se utilizan mucho el rosetón, que es una ventana circular y dotada de vidrieras. Estos normalmente representan a la Virgen María o a Cristo.

Referencias:
Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson

Arte Paleocristiano

               

Durante este periodo, el arte está influenciado por los griegos y los romanos, es completamente religioso y tiene como misión estimular la vida interior. Se pierde el realismo en las obras y la importancia de la anatomía, ya que lo que se busca representar es la belleza del alma.

El periodo paleocristiano abarca desde el siglo I d.C. hasta el siglo VI, y está dividido en dos momentos:

©       El arte anterior al Edicto de Milán o anterior al 313.

©       El arte posterior al Edicto de Milán o posterior al 313.

Durante este periodo empieza a surgir el cristianismo, el cual es rechazado por los emperadores romanos pues los cristianos no los reconocían como dioses. Pero cuando empieza a cobrar más fuerza, empiezan a ser perseguidos.

Los cristianos empiezan a reunirse a escondidas en las catacumbas, que eran cementerios subterráneos en las afueras de las ciudades, para hacer sus rituales y para enterrar a sus muertos.

Como el cristianismo estaba prohibido, no podían representarlo en las obras de arte, así que empezaron a incorporar símbolos, de los cuales que sólo ellos conocían su significado, a obras de la época que sí estaban permitidas. Uno de estos símbolos era el crismón.

Crismón

Para la estética de este periodo el cuerpo no tenía importancia y a menudo los personajes representados llevan ropas muy grandes y largas que les cubren el cuerpo, lo que hace difícil de identificar el sexo de la persona. Los ojos y las manos ganan mucha importancia pues indican el alma y la oración.

Arquitectura Paleocristiana

Antes del 313 los cristianos eran perseguidos, entonces necesitaban de un lugar en donde reunirse para celebrar sus cultos, ya que el cristianismo requiere de lugares cerrados para hacerlo. 

Entonces utilizan Titulus, que eran casas patricias arregladas para los rituales cristianos, como lugar de reunión. Y como ya lo había mencionado, también utilizan las catacumbas para reunirse.

Después del 313, con el Edicto de Milán (tolerancia del cristianismo) Constantino, quien era el emperador romano de esa época y también fue el primer emperador cristiano, consideró al cristianismo como religión legal y permitida.
Entonces se utilizaron las basílicas como templo para celebrar las misas. Y esta tenía 3 partes:       

©Una pública, a la que podía acceder cualquier catacumbero

©Una semipública,  que estaba reservada para los creyentes bautizados.
©Una privada, para los presbíteros y era en donde se celebraba el culto.

¿Qué es estética y antiestética?

Mona Lisa

La estética, según Alexander Baumgarten, es la ciencia de la belleza y un estudio de la esencia del arte y su relación con la belleza. Pero hablando en términos filosóficos, la estética es el estudio de la percepción de la belleza. 

La antiestética es el rechazo de la estética establecida, y esta busca provocar sentimientos específicos en la gente. Pero debemos tomar en cuenta que no todo lo "feo" es antiestético, ya que lo feo también puede ser bello y es necesario para la belleza.

La estética y antiestética pueden variar dependiendo del canon de belleza de la época. Un canon  es una forma de medir la belleza. Un ejemplo de esto es la Mona Lisa, esta pintura es estética porque representa el canon de belleza que había en el Renacimiento.

Escultura Griega

Discóbolo de Mirón

Las esculturas griegas son idealistas, ya que buscaban imitar al hombre que consideraban bello y retrataban la belleza que consideraban ideal. Eran también representaciones de sus héroes, que no eran necesariamente personas reales, más bien eran encarnaciones de los valores más importantes de su cultura.

Muchas de las esculturas romanas son réplicas de las esculturas griegas, las cuales representaban al ideal de belleza de la época. 

Para los griegos, el símbolo de perfección era el cuerpo masculino, el cual era digno de admiración. Pero el espíritu era igualmente importante, y trataban de representarlo en sus esculturas.

Una de las características más importantes de las esculturas griegas es que son realistas, pero este es un realismo idealizado, en el cual el hombre es el protagonista.

Hermes con Dionisios niño

Las esculturas griegas están divididas en 3 periodos:

©       Periodo Arcaico

Abarca del siglo VIII a.C. al VI a.C.

En este periodo las esculturas son muy grandes y presentan un aspecto rígido y poco natural, los ojos son almendrados y el pelo es geométrico.

©       Periodo Clásico

Abarca del siglo V a.C. al IV a.C.

Durante este periodo se alcanza el momento de mayor esplendor en el arte griego. Los escultores logran un equilibrio entre lo corporal y lo espiritual, además de que las esculturas muestran un alto grado de naturalismo, serenidad y belleza idealizada.

Algunos artistas de este periodo son: Mirón, Policleto y Fidias.

©       Periodo Helenístico

Abarca del siglo III a.C. al I a.C.

En ese momento Alejandro Magno conquista Egipto y funda Alejandría.

Durante este periodo cambia la concepción de la escultura y se valoran los sentimientos y el movimiento. Los cuerpos son más expresivos al igual que los gestos.

La obra más representativa de este periodo es Laocoonte y sus hijos.

Laocoonte y sus hijos

Arquitectura Griega

Acrópolis

                               
La arquitectura para los griegos estaba basada en las matemáticas. Tanto para ellos, como para los romanos, el arte se presentaba tanto en la arquitectura como en la escultura.

Marco Vitruvio fue un arquitecto e ingeniero de la época romana. Él pensaba que la arquitectura, que era una de las representaciones del arte y por lo tanto de belleza de la época, debía de tener los siguientes elementos para poder transmitir belleza:

©     Ordenación: que era la justa proporción de los elementos.

©     Disposición: es decir, la apropiada colocación de los elementos.

©     Ritmo: un aspecto elegante y hermoso.

©   Simetría: se refería a la perfecta armonía. Recordemos que esta se calculaba con la proporción áurea.

©     Ornamento: es el aspecto correcto de una obra.

©   Distribución: Era la apropiada distribución de materiales y de terrenos.

Características de la Arquitectura Griega

Los principales materiales que utilizaron en su arquitectura fueron piedra, madera y mármol. 

En sus construcciones no se utilizaron arcos ni bóvedas, por lo tanto, sólo utilizaban líneas horizontales y verticales. A esto se le llama arquitectura arquitrabada.

La arquitectura griega está catalogada en 3 distintos órdenes o estilos, estos estilos se pueden apreciar principalmente en las columnas, en los frisos y en los frontones. Estos órdenes son:

©       Dórico

©       Jónico

©       Corintio

Orden Dórico

Capitel Dórico

Se caracteriza por carecer de basa, tener aristas vivas (su fuste tiene acanaladuras), tener collarino, su capitel se compone de equino y ábaco, su arquitrabe es liso,  y su friso tiene triglifos y metopas.

Orden Jónico

Capitel Jónico

Se caracteriza por poseer basa, su fuste es más estilizado y tiene acanaladuras con estrías muertas, su capitel tiene dos voluptas, su arquitrabe se divide en tres franjas, y su friso tiene una decoración corrida.

Orden Corintio

Capitel Corintio

Se caracteriza porque la base de su capitel son hojas de acanto y su ábaco es más curvo y fino.

Los edificios fundamentales y más representativos de la arquitectura griega son el templo, el teatro, el santuario, el hipódromo, el ágora y la stoa.

Referencias:

Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson

                           

Belleza y Estética

En sí, no existe una definición exacta de belleza, porque esta cambia dependiendo de la cultura, la época y los gustos de cada persona. La belleza es relativa, es por esto que no existe una definición exacta de esa palabra. Esta va evolucionando dependiendo de la época y el lugar. Cada época tiene ideales de belleza distintos, es por eso que  en el arte, el ideal de belleza tampoco es fijo.

Para los griegos la arquitectura y la escultura era arte, en ellos representaban sus ideales de belleza.

Concepto clásico de belleza

Se le denomina clásico a algo que es de una calidad superior y que es digno de imitarse. Los romanos consideraban que los griegos eran "clásicos", es por eso que el arte romano imita al griego.

Durante la antigua Grecia se marca un ideal de belleza que es utilizado durante muchos siglos después. Los antiguos griegos creían que la belleza era sinónimo de perfección u orden, proporción y armonía: 

El orden es un concepto platónico, y se consideraba como el cumplimiento de la ley, era todo lo opuesto al caos.

Los griegos utilizan la razón dorada o proporción áurea, que es una proporción que se encuentra en la naturaleza, en muchas de sus obras. Un ejemplo de esto es el "Partenón", un templo griego (en la actualidad son ruinas), el cual tenía proporciones perfectas.

Partenón, en Grecia

Réplica del Partenón en Nashville

La armonía se refería a al equilibro y el acomodo que debían tener los elementos que conformaban algo.

¿Cómo es la cultura mexicana?

Fragmento de mural de Diego Rivera

Hablando en términos sociales, la cultura es el conjunto de creencias, tradiciones, conductas y saberes de un lugar en específico. Se puede decir que la cultura es artificial, porque no naces con ella. Las personas podemos adquirir culturas de distintas partes del mundo y aún así sentirnos identificados con ellas.

La palabra viene del latín y significa "cultivo de la tierra". Yo lo interpreto como algo que nos nutre y evoluciona con nosotros, aun que no necesariamente naces con ella, sino que la adquieres.

Nuestra cultura tiene como raíces:

©       Grecia: De quienes heredamos la psicología

©       Roma: De quienes heredamos el Sistema de República, y las raíces de nuestro lenguaje.

©       Israel: Nos heredaron el monoteísmo.

©       Arabia: Ellos nos heredaron nuestro Sistema numérico.

Pintura de Diego Rivera

Hablando de la cultura mexicana podría decirse que somos una mezcla entre la cultura occidental y la indígena.  Ya que nosotros no nos identificamos enteramente con la cultura indígena, ni con la occidental (aún que ahora con la globalización, nuestra cultura -como muchas otras- está cambiando y está adaptando características de otros lugares).

Cuando los españoles invaden México, la cultura prehispánica no se pierde, sino que se asimila. Y lo que trataron de hacer fue sobreponer su cultura y su religión sobre la indígena. Pero muchas tradiciones de la cultura indígena, al igual que algunas palabras continuaron. Así fue como la cultura mexicana nació.

Y a pesar de que los mexicanos adoptemos otras culturas, existen símbolos que nos relacionan a todos y nos representan. Estos símbolos son:

©       Himno

©       Bandera

©       Escudo 

¿Qué es teoría del diseño?

Hombre del Vitruvio

La teoría es un soporte de una realidad, que siempre debe tener un análisis como base. Una teoría se refiere a lo que podemos saber acerca de algo.

A sí mismo, el diseño es una disciplina humanista, que ayuda al hombre en su manera de vivir. Pero el diseño también se refiere a el proceso de diseño de un objeto, más que en el objeto en sí. Por lo tanto, la teoría del diseño expresa en palabras lo que podemos saber sobre el diseño en general.

Debemos tomar en cuenta que el diseño no solo se refiere a la belleza y a la estética, sino que este siempre debe estar hecho para el usuario, quien es la persona que va a utilizar los diseños, es por eso que la tarea de un diseñador es tomar en cuenta las necesidades de la gente, para que, por medio de un proceso creativo, cree productos que sean pragmáticos para la gente.

The New Girl on the Blog

¡Bienvenidos a Tonallidad!

Mi nombre es Tonalli y soy una estudiante de Diseño Textil. Este blog está principalmente creado para mi clase de Teoría del Diseño, pero también hablaré sobre temas relacionados con el arte, el diseño, textiles y de temas relacionados con moda.