martes, 3 de diciembre de 2013

Arte, Diseño y Artesanía



Beautiful Platters!


Las artesanías son objetos creados por el hombre y que tienen un propósito. Estas surgen de las culturas y su producción es tradicional. Ya que cada pieza artesanal es hecha a mano no pueden existir 2 piezas iguales.

Las artesanías sólo se pueden encontrar en un tiempo y un espacio específico. Los productos artesanales tienen una función ornamental y son producidas en serie (pero manualmente).

Alebrijes Mexicanos
Alebrije
El diseño es la materialización de una idea mediante procesos manuales, y también es la unión del trabajo estético con lo industrial.

Su producción es masiva y, a diferencia de las artesanías, todos los productos de una serie son idénticos.

El diseño surge cuando se tuvo la necesidad de introducir recursos estéticos en productos industriales. Su producción es funcional y teórica.

Los productores de diseño tienen una formación universitaria y su trabajo es asalariado.


El arte es un concepto relacionado con el "buen hacer". En Roma, el arte era considerado la manera hábil de realizar cualquier trabajo. Los artistas formaban parte de un gremio según su actividad, como escultor, pintor, constructor, etc.  

El concepto de arte que tenemos en la actualidad surgió en el Renacimiento , cuando los artistas se liberaron de sus gremios y empezaron a dedicarse a varias actividades y no solo a una. Es aquí cuando nace el término de "hombre renacentista", que eran las personas que podían hacer de todo.

La producción de arte es antitradicionalista, teórico, y con un trabajo intelectual sobreevaluado y libre. El producto artístico es antiornamental, único, y profano y puro.  Los artistas tienen una formación académica y no son asalariados.

Academia de San Carlos

La ofrenda - Saturnino Herrán
Hasta antes del siglo XX, si querías estudiar arte debías ingresar a la academia. Las academias eran las que dictaban la estética y las técnicas que debían usarse. 

La Academia de San Carlos fue la primera academia y museo de arte de América. Usaban las técnicas y la estética que se utilizaban en Europa, y era financiada por la Corona Española.

Los temas permitidos para los artistas por la academia eran:

  • Paisajismo
  • Retrato
  • Héroes y Vencidos

Al inicio del siglo XX los estudiantes comienzan a cuestionar el arte permitido y les empiezan a parecer anticuados los lineamientos de la academia.

Algunos de los artistas más reconocidos de la Academia fueron:

  • José Clemente Orozco
  • Diego Rivera
  • Rufino Tamayo
  • Manuel Felguérez
  • Juan Cordero
  • Saturnino Herrán 
Diego Rivera


José María Velasco
Saturnino Herrán




lunes, 2 de diciembre de 2013

Bellas Artes


Las bellas artes son formas de arte desarrolladas principalmente por la estética, la belleza y por su utilidad práctica. El arte tiene la finalidad de comunicar y/o de ser estética, expresa ideas y emociones.

Los griegos dividían las artes en:
  • Artes Mayores
  • Artes Menores 
Las artes mayores, o bellas artes, son aquellas que se gozan por los sentidos mayores:
  • Escultura
  • Arquitectura
  • Pintura
  • Música
  • Declamación
  • Danza
  • Cinemaografía
Arquitectura
Es el arte y la ciencia de proyectar edificios, estructuras y espacios, los cuales cumplen una función y provocan placer estético o admiración al espectador.


Casa de Luis Barragán
Declamación
Arte escénico. Es la interpretación de un poema o una obra. Para que una declamación pueda ser considerada arte esta debe tener armonía en la voz y sutileza en los gestos.


Escultura
Es el arte de modelar o tallar en piedra.

Sergio Bustamante - Colección / Sculptures / Resin
Sergio Bustamante
Danza
Es el arte del movimiento del cuerpo

Música
Arte de organizar de manera armónica, melódica y rítmica sonidos y silencios.

Pintura
Arte de plasmar gráficamente. Es la aplicación de pintura sobre un lienzo.
Bansky
Cine
Técnica y arte de proyectar imágenes de forma sucesiva para dar la impresión de movimiento.

Las Artes Menores son las que se gozan con el gusto y el olfato:
  • Gastronomía
  • Perfumería
  • Caricería

El Arte en las Fotografías y Editoriales de Moda


Yo siempre he considerado a la moda una combinación entre arte y negocios, y como tal, las editoriales de moda tienen la finalidad de transmitir algo o contar historias a través de las fotografías con la finalidad de vender.

Ya que mi blog es principalmente sobre teoría de diseño, pensé en compartir fotografías o editoriales de moda que tienen inspiración en pinturas famosas.

Esta es una de mis favoritas, es un remake de las Meninas de Diego Velazquez. 



Las siguientes son fotografías de campañas publicitarias de Christian Louboutin para la temporada Otoño / Invierno 2011, inspiradas en pinturas clásicas.

Retrato de Mathilde de Canisy - Jean Marc Nattier

Retrato de Elizabeth de Austria - Francoise Clouet

Magdalena y la flama - Georges de laTour

Y por último, la nueva campaña publicitaria de Valentino. No sé si realmente esta fotografía esté inspirada en la Chica del Arete de Perla, pero en cuanto la ví me recordó a esta pintura.


Símbolo e Iconografía

La iconografía es la ciencia que estudia los símbolos y sus orígenes, y esta propone establecer tres niveles de interpretación en el análisis de cada obra:

  • Distinguir lo representado
  • Encontrar el tema y sus valores simbólicos
  • Identificar el significado
Un ícono es una imagen que sustituye al objeto por semejanza. Es literal y diseñado.
Ícono
Hay que tener cuidado de no confundir un ícono con un logo, ya que estos no necesariamente son literales.
Logo Starbucks
   
Un símbolo representa una idea, no guarda relación con su significado y entabla un vínculo. Estos pueden variar conforme a la cultura y surgen de una convención social.

Tipos de símbolos:
  • Científicos
  • Religiosos
  • Nacionales
En el arte, los símbolos nos ayudan a reconocer a un personaje. Por ejemplo Venus, la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, tiene su propia simbología. Estos son los símbolos que representan a Venus:
  • Desnudez
  • Rosas
  • Manzana
  • Paloma
  • Concha
  • Séquito
  • Cupido


En esta pintura podemos reconocer a Venus porque está desnuda, aparece Cupido y por las palomas.


En esta pintura de Boticelli podemos reconocer a Venus gracias a la simología, de la cual vemos desnudez, la concha y las rosas.





Arte Neoclásico

El juramento de los Horacios - Jacques Louis David
Durante la segunda mitad del siglo XVIII, en el marco de la Ilustración, se descubrieron zonas arqueológicas de Herculano en 1738 y posteriormente las de Pompeya en 1748, en Grecia. Esto dio inicio a un fuerte interés por las artes clásicas.

Basados en este descubrimiento, tomaron las características del arte griego y romano para formar un estilo artístico que prevalecería hasta mediados del siglo XIX.

El neoclasicismo fue desde un principio un estilo restrictivo, clasista y burgués. Uno de los impulsores más importantes de este estilo artístico fue Napoleón, ya que para él, Roma y Grecia eran símbolos de poder. Esto le daba un carácter político a este movimiento.

Arquitectura Neoclásica

Arco del triunfo de la estrella
Estaba basada en símbolos y motivos grecorromanos. Buscaba la simplicidad y la eliminación de lo artificial del estilo barroco.

Toman al arte antiguo como su modelo de belleza. Las características más importantes de la arquitectura neoclásica son:
  • El templo dórico
  • Las esculturas integradas a la arquitectura
  • Las columnas clásicas
  • Frontón triangular
Iglesia de Santa Genoveva en París

Escultura Neoclásica

Estaba inspirada en las esculturas romanas y griegas. Buscaba el ideal de belleza, la sobriedad, el equilibrio de las formas con las luces y sombras. Expresan dignidad y elegancia, lo cual la hacía parecer fría e impersonal.

Capturaba posiciones y escenas antinaturales que exaltaban la belleza masculina y la sensualidad. Los temas heroicos son comunes al igual que el establecimiento de los papeles del hombre, que estaban más asociados con los hechos heróicos y con las virtudes, y de la mujer, el cual se relacionaba con la fertilidad y las cuestiones domésticas.

Paulina Bonaparte - Antonio Canovas
Pintura Neoclásica

Se caracteriza por la perfección del dibujo frente al color y recuerda los relieves griegos. La composición cobra  mucha importancia.

La pintura de este periodo debía ser un fiel reflejo de la nueva ideología. Los artistas del neoclásico debían satisfacer las necesidades de una sociedad nueva y revolucionaria.

Sus principales pintores fueron:
  • Jacques Louis David
  • Antón Raffael Mengs
  • Goya
La muerte de Marat - Jacques Louis David

Referencias
Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson

Arte Rococó

El columpio - Fragonard


El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" que significa piedra y "coquille" que significa concha.

El rococó nace en Francia durante el siglo XVIII. Era la época del absolutismo monárquico, en el cual el arte se ponía a merced de la corona y la burguesía. Se trata de un arte mundano que no tiene influencias religiosas.

Durante este periodo Francia asume la hegemonía política y artística.


Arquitectura Rococó

Las características de la arquitectura en el rococó fueron:
  • Las fachadas recobran su armonía, claridad y simetría clásica
  • Los interiores eran ornamentados, con decoración desvordada.
  • Los jardines también se decoraban y formaban parte importante del espacio.

Interior del Palacio de Versalles
Jardines del Palacio de Versalles
Pintura Rococó

Se caracterizó por su carácter hedonista y aristócrata, y se manifestó en la delicadeza. elegancia, sensualidad y gracia. Las líneas curvas, los colores claros y la asimetría jugaban un papel fundamental en la composición de la obra.

Se pintaban muchas escenas eróticas y temas relacionados con la burguesía.

La pobreza, lo sencillo, y la religión eran considerados antiestéticos durante este periodo.

File:LANCRET, Nicolas - The earth.jpg
La tierra - Nicolas Lancret




Arte Barroco




Las dos gallegas - Murillo

Surgió en Italia y luego se difundió por toda Europa, se desarrolló durante el siglo XVII y duró casi todo el XVIII. 

El término "barroco" viene del portugués "barrôco" que es la denominación de las perlas que tienen deformidades. Este término tenía un sentido despectivo, ya que se consideraba lo contrario de lo clásico, es decir, que tenía falta de orden.

El contexto bajo el cual se desarrolló esta corriente fue la aparición de una sociedad en la que la burguesía desempeña un papel fundamental. Esta fue la época de el industrialismo en Europa y la Revolución Francesa.

El barroco se caracterizó por el gran desarrollo técnico, la complejidad de sus obras, el movimiento de las formas y la libre expresión de los sentimientos, no existe la simetría, se abandonan las líneas rectas, tenía un sentido de lujo y teatral. El barroco también es el arte del adorno y del desequilibrio.

El canon de belleza consistía en lo exagerado, extravagante, brusco, y principalmente en lo ornamental.

Arquitectura Barroca

El barroco buscaba romper con el equilibrio clásico, y esto se aplicaba en todos los tipos de arte de esta época incluyendo a la arquitectura.

Los materiales más usados en la arquitectura barroca eran la piedra sillar y el mármol de varios colores. Los elementos constructivos remiten a lo clásico, aunque se prefieren las proporciones gigantes. Se introduce la línea curva como elemento constructivo, y se utilizan el arco de medio punto y las bóvedas de cañón. Como elemento decorativo se incorporan diseños basados en la curva.

Sus edificios se caracterizan por:
  • La predominación de la línea curva y retorcida
  • La exuberancia con fines decorativos
  • La sustitución del espacio cerrado por el abierto
  • Lograr perspectiva en interiores y efectos escenográficos.
Algunos arquitectos que se destacaron en este periodo fueron:
  • Giovanni Lorenzo Bernini
  • Francesco Borromini

Plaza de San Pedro - Bernini



San Carlo alle Quattro Fontane - Borromini

Escultura Barroca

Mostraba un gran interés en el movimiento, es por esto que la escultura barroca no es estática, ya que busca captar un instante, que se plasma en un momento de una acción. Una característica importante es el naturalismo en las representaciones, esto se logra gracias a los efectos luminosos, la ondulación en la ropa (drapeado), y las actitudes violentas y teatrales de los personajes.

La principal finalidad de la escultura barroca era mover el espíritu del espectador e incorporarlo en la escena.
Éxtasis de Santa Teresa - Bernini


Pintura Barroca
La pintura barroca tenía dominio de la profundidad y de la perspectiva, predominio de la luz sobre la forma, sensación de desequilibrio en la forma. Representaban tanto lo feo como lo bonito.

Los artistas más representativos del barroco fueron:

  • Caravaggio
  • Diego de Velázques
  • Bartolomé Murillo
  • Peter Paul Rubens
  • Rembrandt
File:Rembrandt Harmensz. van Rijn 092.jpg
Los síndicos del gremio de pañeros - Rembrandt

Las Meninas - Velázquez
Referencias

Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson


Arte en el Renacimiento


Surgió en Italia durante el siglo XV hasta el siglo XVI. Esta época estuvo llena de innovaciones en todos los campos. Durante esta época se elabora una visión antropocéntrica del mundo, que es la teoría que supone que el hombre es el centro de todas las cosas. Otro suceso importante es la invención de la imprenta, la cual facilitó la difusión de las teorías humanistas.


El Renacimiento se caracterizó por lo siguiente:
  • Los artistas eran el reflejo de una sociedad nueva, principalmente burguesa.
  • En el resto de Europa se consolida la monarquía autoritaria.
  • La sociedad se vuelve más materialista.
El Renacimiento se divide en dos etapas: el quattrocento y el cinquecento.


Pintura en el Quattrocento

El quattrocento es el momento en el que los pintores buscan la solución a los problemas técnicos, como la perspectiva, proporciones, composición, etc. Así es como la pintura abandona su caracter lineal (como en el gótico) y surge el bulto pleno, que procura obtener formas frecuentemente tridimensionales y al mismo tiempo situarlas en un espacio posible.

Durante este periodo, la pintura destaca por su originalidad y por su interés en representar la vida real. Para lograr esto, los pintores recurrían a las siguientes técnicas, con lo cual lograban también dar a sus cuadros apariencias tridimensionales:
  • Perspectiva
  • Sombreado
  • Tratamiento lineal, el cual es un tipo de perspectiva en el que los objetos se acortan con la distancia.
  • Tratamiento aéreo, este tipo de perspectiva difumina los objetos con la distancia.
Retablo de Brera - Piero de la Francesca
Gracias a la distribución rigurosa de orden de proporción y simetría, las obras se convierten en una ventana a un mundo ideal. En cuanto a la figura humana, se recupera el ideal clásico, es decir, eñ que se tenía durante la época de Grecia y Roma. Los temas preferidos durante este periodo fueron el retrato, la mitología clásica y los temas religiosos.

Roma, Florencia y Venecia fueron las ciudades con Mayor producción artística. Uno de los pintores más destacados del quattrocento fue Sandro Boticelli.

La primavera - Boticelli
Pintura en el Cinquecento

Es el segundo ciclo del Renacimiento en Italia, concentrado (como su nombre lo indica) en el siglo XVI.

Muchos de los artistas del renacimiento y especialmente de esta época, se dedicaban a más de una profesión, por ejemplo, Leonardo da Vinci, no sólo era un pintor, sino que también fue escultor, inventor, anatomista, etc. Es en esta época que surge el término "hombre renacentista", que se refiere al hombre que hace de todo.

La pintura del ciquecento se concentra en su contenido, elimina lo secundario mediante un proceso de simplificación y hace buen uso de los planos dimensionales.

El sfumato fue una técnica creada en este periodo (por Leonardo da Vinci) la cual consistía en difuminar los tonos hasta que se pierdan las líneas que separan un segmento de otro. Esta técnica fue utilizada para dar profundidad y dramatismo a las obras pictóricas. El sfumato se puede ver en muchas obras de da Vinci, como en la Mona Lisa, La Virgen de las Rocas y más.

Algunos de los artistas más populares del cinquecento fueron:


  • Miguel Ángel
  • Rafael
  • Leonardo da Vinci
  • Alberto Durero
Bóveda de la Capilla Sixtina - Miguel Ángel
La Última Cena - Leonardo da Vinci

La escuela de Atenas - Rafael
Autoretrato - Durero.

Referencias:
Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson

martes, 17 de septiembre de 2013

Arte Gótico


                             

El arte gótico surge en Europa durante la Edad Media por los godos. Se extendió cronológicamente desde finales del siglo XII hasta el principio del Renacimiento.

Todo el arte de este periodo estaba relacionado con la religión. Las iglesias y las catedrales eran las muestras más importantes.

Arquitectura Gótico

Se utilizan tres son los elementos principales que otorgan a la arquitectura gótica su peculiar personalidad: 
©       El arco apuntado u ojival
Arco Ojival
©       La bóveda de crucería
Bóveda de Crucería
©       Los arbotantes
Arbotante


A parte de dar soporte a  las bóvedas, los arbotantes también servían para canalizar el agua de las lluvias, las bocas de desagüe se decoraban con figuras de seres monstruosos, llamadas gárgolas.

Y en este periodo surgen las plantas de "Cruz Latina", las cuales se siguen utilizando.

                                                        



Escultura Gótica
La escultura en el periodo gótico se utiliza principalmente en las fachadas de las iglesias, en donde tienen una función evangelizadora, ya que es una forma de catequizar a las personas analfabetas. Tiene raíces de la escultura románica, de quienes heredan la rigidez, pero finalmente evoluciona en esculturas más naturalistas, aún que también conservan influencias de las esculturas griegas y romanas, pero se les agrega más detalle en las telas, tienen mejor encarnación, expresiones faciales y poses.


La escultura gótica es más naturalista que la románica, más humana. Sus características principales son: la introducción de el movimiento y la línea curva, la posición de la Virgen, quien normalmente se encontraba siempre de frente y ahora la representan inclinándose al niño, las formas plenas que sobresalen del soporte en el cual se apoyan, y su monumentalidad serena y aérea. Normalmente en las esculturas se representaban las vidas de los santos y de la Virgen, a los apóstoles y a los calvarios.

Vitrales

                                  

Los vitrales complementan a la arquitectura y añade a sus caracteres ópticos funcionales un papel didáctico a través de su iconografía.


Sus materiales traslucidos, que además de captar y transmitir modulaciones coloreadas de luz al interior de los edificios, dan una significación simbólica, ya que la luz que traspasaba los vitrales representaba la presencia de Dios. Estos vitrales tienen triple carácter: funcional, óptico y espiritual.

La vidriera está formada por una serie de vidrios de colores, que están organizadas para representar determinadas escenas las cuales se engarzan sobre una pared de plomo.Los vitrales están considerados como la verdadera pintura gótica, ya que básicamente sustituyen a la pintura mural. Más adelante en el gótico, se suprimen progresivamente el muro de fábrica o muro de carga y lo sustituyen por el «muro translúcido», que son los amplios ventanales con vitrales de color que proporcionan al interior de las iglesias y catedrales una atmósfera cálida y coloreada.


Las escenas que se plasman en los vitrales, que normalmente eran escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, se desarrollaron en series de medallones y en sentido vertical. Poco a poco se amarran en registros horizontales. Los temas preferidos son los del juicio final, Cristo, y la Virgen.

También se utilizan mucho el rosetón, que es una ventana circular y dotada de vidrieras. Estos normalmente representan a la Virgen María o a Cristo.


Referencias:
Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson