Arte Gótico

                             

El arte gótico surge en Europa durante la Edad Media por los godos. Se extendió cronológicamente desde finales del siglo XII hasta el principio del Renacimiento.

Todo el arte de este periodo estaba relacionado con la religión. Las iglesias y las catedrales eran las muestras más importantes.

Arquitectura Gótico

Se utilizan tres son los elementos principales que otorgan a la arquitectura gótica su peculiar personalidad: 

©       El arco apuntado u ojival

Arco Ojival

©       La bóveda de crucería

Bóveda de Crucería

©       Los arbotantes

Arbotante

A parte de dar soporte a  las bóvedas, los arbotantes también servían para canalizar el agua de las lluvias, las bocas de desagüe se decoraban con figuras de seres monstruosos, llamadas gárgolas.

Y en este periodo surgen las plantas de "Cruz Latina", las cuales se siguen utilizando.

                                                        

Escultura Gótica

La escultura en el periodo gótico se utiliza principalmente en las fachadas de las iglesias, en donde tienen una función evangelizadora, ya que es una forma de catequizar a las personas analfabetas. Tiene raíces de la escultura románica, de quienes heredan la rigidez, pero finalmente evoluciona en esculturas más naturalistas, aún que también conservan influencias de las esculturas griegas y romanas, pero se les agrega más detalle en las telas, tienen mejor encarnación, expresiones faciales y poses.

La escultura gótica es más naturalista que la románica, más humana. Sus características principales son: la introducción de el movimiento y la línea curva, la posición de la Virgen, quien normalmente se encontraba siempre de frente y ahora la representan inclinándose al niño, las formas plenas que sobresalen del soporte en el cual se apoyan, y su monumentalidad serena y aérea. Normalmente en las esculturas se representaban las vidas de los santos y de la Virgen, a los apóstoles y a los calvarios.

Vitrales

                                  

Los vitrales complementan a la arquitectura y añade a sus caracteres ópticos funcionales un papel didáctico a través de su iconografía.

Sus materiales traslucidos, que además de captar y transmitir modulaciones coloreadas de luz al interior de los edificios, dan una significación simbólica, ya que la luz que traspasaba los vitrales representaba la presencia de Dios. Estos vitrales tienen triple carácter: funcional, óptico y espiritual.

La vidriera está formada por una serie de vidrios de colores, que están organizadas para representar determinadas escenas las cuales se engarzan sobre una pared de plomo.Los vitrales están considerados como la verdadera pintura gótica, ya que básicamente sustituyen a la pintura mural. Más adelante en el gótico, se suprimen progresivamente el muro de fábrica o muro de carga y lo sustituyen por el «muro translúcido», que son los amplios ventanales con vitrales de color que proporcionan al interior de las iglesias y catedrales una atmósfera cálida y coloreada.

Las escenas que se plasman en los vitrales, que normalmente eran escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, se desarrollaron en series de medallones y en sentido vertical. Poco a poco se amarran en registros horizontales. Los temas preferidos son los del juicio final, Cristo, y la Virgen.

También se utilizan mucho el rosetón, que es una ventana circular y dotada de vidrieras. Estos normalmente representan a la Virgen María o a Cristo.

Referencias:
Historia del Arte (segunda edición). Autor: María del Rosario Farga Mullor. Editorial: Pearson

Arte Paleocristiano

               

Durante este periodo, el arte está influenciado por los griegos y los romanos, es completamente religioso y tiene como misión estimular la vida interior. Se pierde el realismo en las obras y la importancia de la anatomía, ya que lo que se busca representar es la belleza del alma.

El periodo paleocristiano abarca desde el siglo I d.C. hasta el siglo VI, y está dividido en dos momentos:

©       El arte anterior al Edicto de Milán o anterior al 313.

©       El arte posterior al Edicto de Milán o posterior al 313.

Durante este periodo empieza a surgir el cristianismo, el cual es rechazado por los emperadores romanos pues los cristianos no los reconocían como dioses. Pero cuando empieza a cobrar más fuerza, empiezan a ser perseguidos.

Los cristianos empiezan a reunirse a escondidas en las catacumbas, que eran cementerios subterráneos en las afueras de las ciudades, para hacer sus rituales y para enterrar a sus muertos.

Como el cristianismo estaba prohibido, no podían representarlo en las obras de arte, así que empezaron a incorporar símbolos, de los cuales que sólo ellos conocían su significado, a obras de la época que sí estaban permitidas. Uno de estos símbolos era el crismón.

Crismón

Para la estética de este periodo el cuerpo no tenía importancia y a menudo los personajes representados llevan ropas muy grandes y largas que les cubren el cuerpo, lo que hace difícil de identificar el sexo de la persona. Los ojos y las manos ganan mucha importancia pues indican el alma y la oración.

Arquitectura Paleocristiana

Antes del 313 los cristianos eran perseguidos, entonces necesitaban de un lugar en donde reunirse para celebrar sus cultos, ya que el cristianismo requiere de lugares cerrados para hacerlo. 

Entonces utilizan Titulus, que eran casas patricias arregladas para los rituales cristianos, como lugar de reunión. Y como ya lo había mencionado, también utilizan las catacumbas para reunirse.

Después del 313, con el Edicto de Milán (tolerancia del cristianismo) Constantino, quien era el emperador romano de esa época y también fue el primer emperador cristiano, consideró al cristianismo como religión legal y permitida.
Entonces se utilizaron las basílicas como templo para celebrar las misas. Y esta tenía 3 partes:       

©Una pública, a la que podía acceder cualquier catacumbero

©Una semipública,  que estaba reservada para los creyentes bautizados.
©Una privada, para los presbíteros y era en donde se celebraba el culto.

¿Qué es estética y antiestética?

Mona Lisa

La estética, según Alexander Baumgarten, es la ciencia de la belleza y un estudio de la esencia del arte y su relación con la belleza. Pero hablando en términos filosóficos, la estética es el estudio de la percepción de la belleza. 

La antiestética es el rechazo de la estética establecida, y esta busca provocar sentimientos específicos en la gente. Pero debemos tomar en cuenta que no todo lo "feo" es antiestético, ya que lo feo también puede ser bello y es necesario para la belleza.

La estética y antiestética pueden variar dependiendo del canon de belleza de la época. Un canon  es una forma de medir la belleza. Un ejemplo de esto es la Mona Lisa, esta pintura es estética porque representa el canon de belleza que había en el Renacimiento.

Escultura Griega

Discóbolo de Mirón

Las esculturas griegas son idealistas, ya que buscaban imitar al hombre que consideraban bello y retrataban la belleza que consideraban ideal. Eran también representaciones de sus héroes, que no eran necesariamente personas reales, más bien eran encarnaciones de los valores más importantes de su cultura.

Muchas de las esculturas romanas son réplicas de las esculturas griegas, las cuales representaban al ideal de belleza de la época. 

Para los griegos, el símbolo de perfección era el cuerpo masculino, el cual era digno de admiración. Pero el espíritu era igualmente importante, y trataban de representarlo en sus esculturas.

Una de las características más importantes de las esculturas griegas es que son realistas, pero este es un realismo idealizado, en el cual el hombre es el protagonista.

Hermes con Dionisios niño

Las esculturas griegas están divididas en 3 periodos:

©       Periodo Arcaico

Abarca del siglo VIII a.C. al VI a.C.

En este periodo las esculturas son muy grandes y presentan un aspecto rígido y poco natural, los ojos son almendrados y el pelo es geométrico.

©       Periodo Clásico

Abarca del siglo V a.C. al IV a.C.

Durante este periodo se alcanza el momento de mayor esplendor en el arte griego. Los escultores logran un equilibrio entre lo corporal y lo espiritual, además de que las esculturas muestran un alto grado de naturalismo, serenidad y belleza idealizada.

Algunos artistas de este periodo son: Mirón, Policleto y Fidias.

©       Periodo Helenístico

Abarca del siglo III a.C. al I a.C.

En ese momento Alejandro Magno conquista Egipto y funda Alejandría.

Durante este periodo cambia la concepción de la escultura y se valoran los sentimientos y el movimiento. Los cuerpos son más expresivos al igual que los gestos.

La obra más representativa de este periodo es Laocoonte y sus hijos.

Laocoonte y sus hijos